Semana Internacional de la Educación Artística 2016

A fines de Mayo y principio de Abril se celebró la Semana de la Educación Artística 2016. Como Departamento de Artes quisimos ser parte de este encuentro que buscaba sensibilizar a la comunidad sobre la importancia de la Educación Artística y fortalecer la cooperación entre los actores culturales principales del arte (colegios, museos y artistas), para promover la diversidad, el diálogo cultural e intercultural y la cohesión social.

La celebración formó parte de las actividades organizadas por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), la Comisión Nacional de Cooperación con la UNESCO del Ministerio de Educación de Chile (Mineduc), la Red Colabora (Áreas educativas de Museos y Teatros), la Agrupación de Escuelas Artísticas de Chile y la Oficina Regional de Educación de la UNESCO para América Latina y el Caribe.

Para este año el Departamento de Arte ha querido realizar  una exposición a partir de un tema relacionado a los objetivos generales y curriculares de cada ciclo.
Cada nivel propuso un artista o movimiento de la Historia del Arte, una técnica y un soporte diferente.

Y Dios creó a los animales

El tema de la Creación de los animales del cielo, la tierra y el agua da vida a un mural lleno de color creado por los alumnos de Pre-Kinder, quienes vieron una presentación de animales en la Historia del Arte creados con diferentes técnicas y medios. A partir de esta motivación, dibujaron animales y los pintaron con paletas de colores relacionadas con su hábitat.

Subieron de dos en dos

El Arca de Noé es un tema que atrae poderosamente a los niños desde siempre y está presente en forma recurrente en el imaginario de los artistas. Los animales, macho y hembra, entrando a esta gran arca fueron el punto de partida para definir la técnica empleada en éste mural: los alumnos plegaron cartulinas de color en dos y luego dibujaron para recortar finalmente su pareja de animales.

Te invito a Jugar, Sergio Castillo.

Explorando los movimientos y caminos de la línea en la obra del escultor chileno y premio nacional de Arte, Sergio Castillo, llegamos al Antiguo Egipto, al palacio de la Reina Nefertari, para aprehender las reglas de uno de los primeros juegos de tablero del mundo.

Los alumnos de Primero Básico, diseñaron un tablero con masking tape, reservando un recorrido de juego, pintaron con colores primarios, secundarios o neutros y luego completaron  el resto de la obra dibujando. Finalmente utilizaron su obra como un tablero de juego, con reglas y fichas invitando a un compañero a jugar.

“El Artista crea las reglas del juego”

Quién Eres, Máscaras Tribales.

El espectáculo escénico propone un espacio de libertad de acción para ejercitar relaciones, ideas y lúdicas interacciones. El happening, como renovación artística, es nuestro pretexto para buscar en la creación de máscaras un momento de juego teatral en que los alumnos muestran sus obras al resto del curso.

En segundo básico los alumnos fabricaron a partir de su nombre, máscaras y escudos con diversas técnicas gráficas: plegado, recorte, dibujo, pintura y collage.

Hagamos una ronda, Akira Yoshisawa.

Este maestro del origami, encantador de generaciones con esta técnica milenaria, nos enseñó paso a paso algunos secretos para materializar en el tiempo y en el espacio la fugacidad de una ronda de colores, escondida en el fondo de un caleidoscopio.

Los alumnos de tercero básico, en esta época del año, exploran, conocen y crean obras gráficas en torno al concepto de diseño radial. Luego construyen un caleidoscopio “la máquina de diseños infinitos”. Con la técnica del origami y  repitiendo patrones, crearon rondas de colores.

Jugar con objetos, Frank Stella

Explorar el entorno y conectarse con las emociones son experiencias que sin eluda potencian y enriquecen la expresión.

Ha sido el  itinerario para la creación de estas pequeñas obras ensambladas en sobrerelieve.

Los alumnos de 4° básico conocieron la obra del artista Frank Stella en el contexto de la experimentación gráfica con los elementos de la forma:
la línea, el punta, etc…

Tomando el juego del naipe, práctica familiar entrañable, cada niño se identificó con una pinta o un número para crear una obra a la manera de Frank Stella: “Shaping de Canvas”

Visiones del Jazz, Henri Matisse.

A principios del siglo XX, uno de los estilos musicales más populares fue el jazz. El jazz es un género musical nacido en la segunda mitad del siglo XIX en Luisiana, Estados Unidos. Rápidamente se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX. En él todos los músicos improvisaban al mismo tiempo. Ese carácter libre para crear influyó en los artistas para trabajar  las formas y los colores de una manera  espontánea.

Henri Matisse (1869-1954), pintor francés. Desarrolla en su obra la expresión del mundo interior utilizando el color como el elemento visual más destacado, plateando que la pintura posee un valor en sí mismo y no como reflejo del mundo real. En 1947  crea una serie de 20 obras llamada Jazz, donde  trata las temáticas culturales sobre mitología y música. Utilizando la técnica de recortar figuras de papel de colores o gouaches découpées (pinturas recortables).

Los alumnos de 5° básico inspirados en el jazz y en la obra de Matisse realizaron trabajos con técnica mixta, pintura y recorte de papeles de color. Para ilustrar el sentido del ritmo, los instrumentos propios del jazz, por medio de la improvisación.

Expresión Sonora, Joan Miró.

Miró pintor español (1893-1983), destaca por su capacidad para seducir con la percepción espontánea de su lenguaje de formas onduladas y su irresistible atractivo cromático. Influenciado por el surrealismo incorporó a su obra el jeroglífico y el signo caligráfico.

Es conocido que Miró tuvo amistad con varios importantes músicos franceses. Entre ellos destaca inicialmente Erik Satie, de quien Miró sigue sus famosos ballets vanguardistas, cuyas partituras despertaron una gran  admiración.

Erik Satie fue compositor y pianista francés (1866 - 1925). Representante del  género de música clásica, es considerado como precursor del minimalismo musical, el impresionismo musical y del teatro del absurdo. Sus ideas no sólo abrieron nuevos terrenos en el campo de la armonía y del ritmo, sino que introdujeron nuevas formas de pensar sobre el valor y el propósito de la música.

Los alumnos de 6 básico, tras escuchar música de Eric Satie y de ver obras de Joan Miró, crearon obras destacando los planos de color, las  siluetas amorfas alternadas con líneas y puntos. Utilizaron témperas, lápices de colores, de cera y plumones.

El sonido Interior,  Wassily Kandinsky.

Kandinsky  pintor ruso (1866 - 1944), precursor de la abstracción en pintura, y teórico del arte. Se considera que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.  

Kandinsky en los acordes de la música de Wagner descubrió el espíritu asociado a la llamada Gesamtkunstwerk, la creación de la obra de arte total.

Lo que hasta ese momento era intuición, en la mente de Kandinsky se convirtió en certeza. La pintura figurativa planteaba un límite. Liberado de su atadura a la realidad, el arte podía ser un juego cromático musical, donde los colores fueran las notas y la composición la tonalidad. Al escuchar a Wagner, Kandinsky se abandonó a la ensoñación y pudo ver el paisaje interior.

Richard Wagner (1813- 1883), fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo.

Transformó el pensamiento musical con la idea de la «obra de arte total», la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas, que desarrolló en una serie de ensayos entre 1849 y 1852. Wagner fue pionero en varios avances del lenguaje musical influyendo en el desarrollo de la música clásica europea.

Los alumnos de 7° básico por medio de la armonía, el contraste, repetición  de líneas, formas y colores. Crearon imágenes desprovistas de la realidad tangible para mostrar una imagen abstracta llena de emoción.

Minimalismo Musical,  Ellsworth Kelly.

Pintor y escultor estadounidense (1923- 2015). Se formó en Boston y en París. Su obra se caracteriza por el rechazo de todo ilusionismo y por el empleo de colores puros y de formas rigurosamente geométricas, estética propia del estilo hard-edge y del minimalismo.

Desde principios de los años 1950 Ellsworth Kelly intento socavar las preocupaciones de estilo y expresión personal y comenzó la exploración de nuevas metodologías artísticas. Dando vida a una  serie de ocho collages compuestos por cientos de cuadraditos de colores colocados al azar sobre un fondo blanco o negro, “Spectrum Colors Arranged by Chance”.

Steve Reich (1936) Compositor estadounidense representante del minimalismo. Sus obras están compuestas por pequeños fragmentos hablados que se repiten, se unen y se entretejen, haciendo del ritmo su principal característica y desarrollando un contrapunto basado también en valores rítmicos.

Los 8° básico inspirados en el mundo minimalista crearon un mural configurado a partir de un cuadrado reticulado que intervinieron de manera aleatoria con papeles de color. La abstracción geométrica, el color y el ritmo son lo fundamental de esta obra colectiva.

Desde Adentro, Naturaleza Muerta.

El estudio de las formas ha sido una constante en la historia del arte, y la naturaleza ha sido un modelo perfecto para dicho estudio. Frutas y verduras con su forma y su textura se prestan para un dibujo íntimo y delicado. Artistas como Paul Cézanne dan valor en su obra a diferentes tipos de alimentos, inspirando nuestros dibujos.

Los alumnos de Primero Medio, a partir de los elementos básicos del dibujo, recrearon granadas, manzanas, zapallos, paltas, kiwis y otras frutas y verduras, utilizando lápices y papeles blancos y negros.

Qué Comemos, Surrealismo y Fotomontaje.

El arte del fotomontaje empezó en Europa justo después de la Primera Guerra Mundial. con el grupo Dadá en Berlín, Alemania.

Para los dadaístas, las fotografías o fragmentos fotográficos se convirtieron en los principales materiales que estructuraban sus obras. Pegaban fotografías junto a recortes de periódicos y revistas, tipografías y dibujos para formar imágenes caóticas.

El fotomontaje también puede perturbar nuestra percepción del mundo y crear imágenes maravillosas. Los surrealistas apreciaron el fotomontaje porque les permitía mostrar el mundo desde una perspectiva simbólica.

A partir de una visión surrealista del hombre y lo que come, los alumnos de Segundo Medio trabajaron con el programa Photoshop para crear una obra de fotomontaje, inspirados por artistas como René Magritte y Salvador Dalí buscaron mostrar de manera diferente la relación del hombre y la comida.

Nuestra Comida, Balmes, Bororo y Bru

En Tercero Medio, los alumnos se inspiraron en nuestra comida; cazuelas, porotos, humitas, calzones rotos, mote con huesillos, empanadas… Tres artistas nacionales fueron el punto de partida para éstas pinturas; Bororo (Carlos Maturana) con su “Cazuela”, José Balmes con sus pinturas de marraquetas y Roser Bru con sus sandías.

Profesores:

Caroline Murrier

Ignacia Trucco

Macarena García

Magdalena Varas

Pamela Sepúlveda

María José Ovalle

Gonzalo Losada