A fines de Mayo y principio de Abril se celebró la Semana de la Educación Artística 2016. Como Departamento de Artes quisimos ser parte de este encuentro que buscaba sensibilizar a la comunidad sobre la importancia de la Educación Artística y fortalecer la cooperación entre los actores culturales principales del arte (colegios, museos y artistas), para promover la diversidad, el diálogo cultural e intercultural y la cohesión social.
La celebración formó parte de las actividades organizadas por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), la Comisión Nacional de Cooperación con la UNESCO del Ministerio de Educación de Chile (Mineduc), la Red Colabora (Áreas educativas de Museos y Teatros), la Agrupación de Escuelas Artísticas de Chile y la Oficina Regional de Educación de la UNESCO para América Latina y el Caribe.
Para este año el Departamento de Arte ha querido realizar una exposición a partir de un tema relacionado a los objetivos generales y curriculares de cada ciclo.
Cada nivel propuso un artista o movimiento de la Historia del Arte, una técnica y un soporte diferente.
Cada nivel propuso un artista o movimiento de la Historia del Arte, una técnica y un soporte diferente.
Y Dios creó a los animales
El tema de
la Creación de los animales del cielo, la tierra y el agua da vida a un mural
lleno de color creado por los alumnos de Pre-Kinder, quienes vieron una
presentación de animales en la Historia del Arte creados con diferentes
técnicas y medios. A partir de esta motivación, dibujaron animales y los
pintaron con paletas de colores relacionadas con su hábitat.
Subieron de dos en dos
El Arca de
Noé es un tema que atrae poderosamente a los niños desde siempre y está
presente en forma recurrente en el imaginario de los artistas. Los animales,
macho y hembra, entrando a esta gran arca fueron el punto de partida para
definir la técnica empleada en éste mural: los alumnos plegaron cartulinas de
color en dos y luego dibujaron para recortar finalmente su pareja de animales.
Te invito a Jugar, Sergio Castillo.
Explorando los movimientos y caminos de la línea en la obra
del escultor chileno y premio nacional de Arte, Sergio Castillo, llegamos al
Antiguo Egipto, al palacio de la Reina Nefertari, para aprehender las reglas de
uno de los primeros juegos de tablero del mundo.
Los alumnos de Primero Básico, diseñaron un tablero con
masking tape, reservando un recorrido de juego, pintaron con colores primarios,
secundarios o neutros y luego completaron
el resto de la obra dibujando. Finalmente utilizaron su obra como un
tablero de juego, con reglas y fichas invitando a un compañero a jugar.
“El Artista crea las reglas del juego”
Quién Eres, Máscaras Tribales.
El espectáculo escénico propone un espacio de libertad de
acción para ejercitar relaciones, ideas y lúdicas interacciones. El happening,
como renovación artística, es nuestro pretexto para buscar en la creación de
máscaras un momento de juego teatral en que los alumnos muestran sus obras al
resto del curso.
En segundo básico los alumnos fabricaron a partir de su
nombre, máscaras y escudos con diversas técnicas gráficas: plegado, recorte,
dibujo, pintura y collage.
Hagamos una ronda, Akira Yoshisawa.
Este maestro del origami, encantador de generaciones con esta
técnica milenaria, nos enseñó paso a paso algunos secretos para materializar en
el tiempo y en el espacio la fugacidad de una ronda de colores, escondida en el
fondo de un caleidoscopio.
Los alumnos de tercero básico, en esta época del año,
exploran, conocen y crean obras gráficas en torno al concepto de diseño radial.
Luego construyen un caleidoscopio “la máquina de diseños infinitos”. Con la
técnica del origami y repitiendo
patrones, crearon rondas de colores.
Jugar con objetos, Frank Stella
Explorar el entorno y
conectarse con las emociones son experiencias que sin eluda potencian y
enriquecen la expresión.
Ha sido el
itinerario para la creación de estas pequeñas obras ensambladas en
sobrerelieve.
Los alumnos
de 4° básico conocieron la obra del artista Frank Stella en el contexto de la
experimentación gráfica con los elementos de la forma:
la línea, el punta, etc…
la línea, el punta, etc…
Tomando el
juego del naipe, práctica familiar entrañable, cada niño se identificó con una
pinta o un número para crear una obra a la manera de Frank Stella: “Shaping de
Canvas”
Visiones del Jazz, Henri Matisse.
A principios del siglo XX, uno de los estilos musicales más
populares fue el jazz. El jazz es un género musical nacido en la segunda mitad
del siglo XIX en Luisiana, Estados Unidos. Rápidamente se expandió de forma
global a lo largo de todo el siglo XX. En él todos los músicos improvisaban al
mismo tiempo. Ese carácter libre para crear influyó en los artistas para
trabajar las formas y los colores de una
manera espontánea.
Henri Matisse (1869-1954), pintor francés. Desarrolla en su
obra la expresión del mundo interior utilizando el color como el elemento
visual más destacado, plateando que la pintura posee un valor en sí mismo y no como
reflejo del mundo real. En 1947 crea una
serie de 20 obras llamada Jazz, donde trata las temáticas culturales sobre
mitología y música. Utilizando la técnica de recortar figuras de papel de
colores o gouaches découpées (pinturas recortables).
Los alumnos de 5° básico inspirados en el jazz y en la obra
de Matisse realizaron trabajos con técnica mixta, pintura y recorte de papeles
de color. Para ilustrar el sentido del ritmo, los instrumentos propios del jazz,
por medio de la improvisación.
Expresión Sonora, Joan Miró.
Miró pintor español
(1893-1983), destaca por su capacidad para seducir con la percepción espontánea
de su lenguaje de formas onduladas y su irresistible atractivo cromático. Influenciado
por el surrealismo incorporó a su obra el jeroglífico y el signo caligráfico.
Es conocido que Miró
tuvo amistad con varios importantes músicos franceses. Entre ellos destaca
inicialmente Erik Satie, de quien Miró sigue sus famosos ballets vanguardistas,
cuyas partituras despertaron una gran admiración.
Erik Satie fue compositor
y pianista francés (1866 - 1925). Representante del género de música clásica, es considerado como
precursor del minimalismo musical, el impresionismo musical y del teatro del
absurdo. Sus ideas no sólo abrieron nuevos terrenos en el campo de la armonía y
del ritmo, sino que introdujeron nuevas formas de pensar sobre el valor y el
propósito de la música.
Los alumnos de 6
básico, tras escuchar música de Eric Satie y de ver obras de Joan Miró, crearon
obras destacando los planos de color, las siluetas amorfas alternadas con líneas y
puntos. Utilizaron témperas, lápices de colores, de cera y plumones.
El sonido Interior, Wassily Kandinsky.
Kandinsky pintor ruso (1866 - 1944), precursor de la
abstracción en pintura, y teórico del arte. Se considera que con él comienza la
abstracción lírica y el expresionismo.
Kandinsky en los
acordes de la música de Wagner descubrió el espíritu asociado a la llamada Gesamtkunstwerk,
la creación de la obra de arte total.
Lo que hasta ese
momento era intuición, en la mente de Kandinsky se convirtió en certeza. La
pintura figurativa planteaba un límite. Liberado de su atadura a la realidad,
el arte podía ser un juego cromático musical, donde los colores fueran las
notas y la composición la tonalidad. Al escuchar a Wagner, Kandinsky se
abandonó a la ensoñación y pudo ver el paisaje interior.
Richard Wagner (1813-
1883), fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y
teórico musical alemán del Romanticismo.
Transformó el
pensamiento musical con la idea de la «obra de arte total», la síntesis de
todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas, que desarrolló en
una serie de ensayos entre 1849 y 1852. Wagner fue pionero en varios avances
del lenguaje musical influyendo en el desarrollo de la música clásica europea.
Los alumnos de 7°
básico por medio de la armonía, el contraste, repetición de líneas, formas y colores. Crearon imágenes
desprovistas de la realidad tangible para mostrar una imagen abstracta llena de
emoción.
Minimalismo Musical, Ellsworth Kelly.
Pintor y escultor
estadounidense (1923- 2015). Se formó en Boston y en París. Su obra se
caracteriza por el rechazo de todo ilusionismo y por el empleo de colores puros
y de formas rigurosamente geométricas, estética propia del estilo hard-edge y
del minimalismo.
Desde principios de
los años 1950 Ellsworth Kelly intento socavar las preocupaciones de estilo y
expresión personal y comenzó la exploración de nuevas metodologías artísticas. Dando
vida a una serie de ocho collages
compuestos por cientos de cuadraditos de colores colocados al azar sobre un
fondo blanco o negro, “Spectrum Colors Arranged by Chance”.
Steve Reich (1936)
Compositor estadounidense representante del minimalismo. Sus obras están
compuestas por pequeños fragmentos hablados que se repiten, se unen y se
entretejen, haciendo del ritmo su principal característica y desarrollando un
contrapunto basado también en valores rítmicos.
Los 8° básico inspirados
en el mundo minimalista crearon un mural configurado a partir de un cuadrado
reticulado que intervinieron de manera aleatoria con papeles de color. La
abstracción geométrica, el color y el ritmo son lo fundamental de esta obra
colectiva.
Desde Adentro, Naturaleza Muerta.
El estudio de las formas ha sido una constante en la historia
del arte, y la naturaleza ha sido un modelo perfecto para dicho estudio. Frutas
y verduras con su forma y su textura se prestan para un dibujo íntimo y
delicado. Artistas como Paul Cézanne dan valor en su obra a diferentes tipos de
alimentos, inspirando nuestros dibujos.
Los alumnos de Primero Medio, a partir de los elementos
básicos del dibujo, recrearon granadas, manzanas, zapallos, paltas, kiwis y
otras frutas y verduras, utilizando lápices y papeles blancos y negros.
Qué Comemos, Surrealismo y Fotomontaje.
El arte del fotomontaje empezó en Europa justo después de la
Primera Guerra Mundial. con el grupo Dadá en Berlín, Alemania.
Para los dadaístas, las fotografías o fragmentos fotográficos
se convirtieron en los principales materiales que estructuraban sus obras.
Pegaban fotografías junto a recortes de periódicos y revistas, tipografías y
dibujos para formar imágenes caóticas.
El fotomontaje también puede perturbar nuestra percepción del
mundo y crear imágenes maravillosas. Los surrealistas apreciaron el fotomontaje
porque les permitía mostrar el mundo desde una perspectiva simbólica.
A partir de una visión surrealista del hombre y lo que come,
los alumnos de Segundo Medio trabajaron con el programa Photoshop para crear
una obra de fotomontaje, inspirados por artistas como René Magritte y Salvador
Dalí buscaron mostrar de manera diferente la relación del hombre y la comida.
Nuestra Comida, Balmes, Bororo y Bru
En Tercero Medio, los alumnos se inspiraron en nuestra
comida; cazuelas, porotos, humitas, calzones rotos, mote con huesillos,
empanadas… Tres artistas nacionales fueron el punto de partida para éstas
pinturas; Bororo (Carlos Maturana) con su “Cazuela”, José Balmes con sus
pinturas de marraquetas y Roser Bru con sus sandías.
Profesores:
Caroline Murrier
Ignacia Trucco
Macarena García
Magdalena Varas
Pamela Sepúlveda
María José Ovalle
Gonzalo Losada
